martes, 10 de octubre de 2017

CRÓNICA DE FIMUCITÉ 11 (FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA DE CINE DE TENERIFE)



Entre los días 22 y 30 de septiembre tuvo lugar la Decimoprimera Edición de Fimucité (Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife). 

Como viene siendo habitual, durante sus 9 días se desarrollaron actividades paralelas como la selección de largometrajes a concurso Fimucinema, que tuvo lugar en el TEA desde el sábado 23 y hasta el jueves 28. Allí se proyectaron títulos como la película "La porta rossa" (2016) o el film animado "Release form Heaven" (2017). En esta edición de Fimucinema se concedieron los siguientes galardones: Premio Alex North a la Mejor partitura original para largometraje de ficción para Amano Manish por la película "Rebellious Flower (2016)", Mejor partitura original para documental para Mina Petric por "The Last Ice Hunters" (2017), Mejor partitura original para cortometraje para Nami Melumad por “Luminarias”, y Mejor canción original para Josué Vergara por “Sonríe”.



Con Elio Quiroga.
El jueves 28 el director grancanario Elio Quiroga acudió al Festival para participar en un coloquio moderado por Manuel Díaz Noda. Antes de éste, se proyectaron dos de sus últimos trabajos: El cortometraje "Sirena Negra" (2015); y el largometraje documental "El misterio del rey del cinema" (2014), un film necesario para reivindicar el trabajo de Max Linder,  actor, director y guionista francés pionero del cine mudo, cuya figura ha quedado olvidada a propósito a consecuencia del doble suicidio del artista y de su joven esposa en 1925. Lo que más llama del mismo es su factura atípica que mezcla entrevistas (con testimonios de críticos e historiadores, y hasta de Maud Linder, la ya anciana hija del cineasta), imágenes de archivo y una parte de ficción en la que el actor Julio Perillán interpreta a Linder, que ejerce a modo de narrador (algo justificado por Elio Quiroga, al no existir material de audio real para utilizar en el film). 


Este año, Fimucité comenzó su agenda de conciertos el viernes 22 en el Auditorio Infanta Leonor con "El más allá: Composer's Cut", una innovadora propuesta en la que el compositor italiano Fabio Frizzi (que esa noche recogió el premio Antón García Abril) interpretó en directo su banda sonora para la película "El más allá" (1981) de Lucio Fulci, al tiempo que este film fue proyectado en pantalla en su totalidad. Fuera de programa, el músico ofreció tres suites procedentes de otros títulos de Fulci: "Siete notas en negro "(1977), "Miedo en la ciudad de los muertos vivientes" (1980), y  "Manhattan Baby" (1982). 


Fabio Frizzi y Antonella Fulci.
A consecuencia de ello, y con la colaboración de la Filmoteca Canaria, también se llevó a cabo en Multicines Tenerife un ciclo dedicado al director Lucio Fulci, integrado por las películas de terror "Nueva York bajo el terror de los zombies" (1979), "Miedo en la ciudad de los muertos vivientes" (1980), "Aquella casa al lado del cementerio" (1981) y la propia "El más allá" (1981). La segunda proyección y el ya mencionado concierto contaron con la presencia invitada de Antonella Fulci, hija del fallecido director, y que además de ejercer como crítica, también prepara un documental sobre la figura de su progenitor dirigido por ella misma (en nuestro siguiente artículo comentaremos más detalles en relación a la entrevista que nos concedió). 


Cristina Ramos.
El segundo concierto tuvo lugar el sábado 23 en el Teatro Guimerá con "Tarantino Unchained". La Pop Culture Band con la dirección musical y la guitarra de Gonzalo de Araoz Vigil, reunió una selección de canciones utilizadas por Quentin Tarantino para sus films como director o guionista:  "Bang Bang - My Baby Shot Me Down" ("Kill Bill Vol. I", 2003) y Cells" (de "Sin City" (1995), film en el que Tarantino sólo ejerció como director invitado colaborando con Robert Rodriguez y Frank Miller), a cargo de una convincente Cristina Ramos; "Misirlou" ("Pulp Fiction", 1994), "Little Green Bag" ("Reservoir Dogs, 1992), "Across 110th Street" ("Jackie Brown", 1997), "I Gotcha" ("Reservoir Dogs"), "Son of a Preacher Man" ("Pulp Fiction"). "Stuck in The Middle with You" ("Reservoir Dogs"), "Jungle Boogie" ("Pulp Fiction"), "Girl, You´ll Be A Woman Soon" ("Pulp Fiction"), "Magic Carpet Ride" ("Reservoir Dogs"), "Woo Hoo" ("Kill Bill Vol. I"), "Waitin'in School" ("Pulp Fiction"), "Hooked on a Feeling" ("Reservoir Dogs"), "Street Life" ("Jackie Brown"), "Hold Tight" ("Death Proof", 2007), "Battle without Honor or Humanity ("Kill Bill Vol. I"), "After Dark" ("Abierto hasta el Amanecer" (1995) de Robert Rodriguez),  "Let's Stay Together" ("Pulp Fiction"), "Unchained (The Payback/Untouchable ("Django Desencadenado", 2012), "Goodnight Moon" (Kill Bill Vol. 2, 2004), "You Never Can Tell" ("Pulp Fiction"), "Chick Habit" ("Death Proof"),  "Don't Let Me Be Misanderstood" (Kill Bill. Vol. 1) y la versión ranchera del clásico del flamenco "Malagueña Salerosa" ("Kill Bill Vol. 2) a modo de colofón. 



El concierto mantuvo el ambiente festivo de ediciones anteriores y también se escucharon otras voces como las de Sandra Morales, Patricio González, Fran León y Héctor Quintero, que lograron versionar con acierto estos temas que abarcaron géneros como el rock, el soul, el funky o el rap. Tampoco faltaron las bellas bailarinas para aportar su nota de sensualidad, e incluso hubo espacio para algunas divertidas escenificaciones de las coreografías de acción de "Kill Bill".  


El tercer concierto fue "Todo sobre al Almodóvar", y se celebró el domingo 24 en el Teatro Leal de La Laguna. Con la voz de Esther Ovejero, se realizó un recorrido por algunos de los temas escuchados en films del director manchego Pedro Almodóvar como "Volver" ("Volver", 2006), "Piensa en mí" y "Un año de amor" ("Tacones lejanos", 1991), "Ne Me Quitte Pas" ("La Ley del Deseo", 1987), "Luz de Luna" y "Se nos rompió el amor de tanto usarlo" ("Kika", 1993),  "Teatro" y "Soy infeliz" ("Mujeres al borde de un ataque de nervios", 1988), "La Bien Pagá" ("¿Qué he hecho yo para merecer esto?", 1984), "El último trago" y "Tonada de la Luna Llena" (La flor de mi secreto, 1995), "Sufre como yo" ("Carne trémula", 1997) y "Cucurrucucú Paloma" ("Hable con ella", 1999).



Los días 27 y 28 se llevaron los siguientes conciertos en el Teatro Guimerá. Ambos corrieron a cargo de la Banda Sinfónica formada los Alumnos del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Conservatorio Superior de Música de Canarias. 

El cuarto llevó por título "España sonora", y reunió diversos temas procedentes de películas españolas como "El Capitán Trueno y el Santo Grial" (2011, Luis Ivars), "Short Stories" (2012, Ramón García i Soler), "La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón" (2003, Rafael Arnau & Mario Gosálvez), "800 balas" (2002, Roque Baños), "No habrá paz para los malvados (2011, Mario de Benito), "Alatriste" (2006, Roque Baños), "Atrapa la bandera" (2015, Diego Navarro) y "Bienvenido Mr. Marshall" (1953, Jesús García Leoz).



El quinto recibió el título de "Héroes de la pantalla", y se interpretaron las partituras del videojuego "The Witcher 3" (2015, Marcin Przybylowicz/Mikolai Stroinski/Piotr Musiał), "El Cid" (1961, Miklos Rozsa), "Gladiator" (2000, Hans Zimmer), "El Rey Arturo" (2004, Hans Zimmer), El último valle (1971, John Barry), "Taras Bulba" (1962, Franz Waxman), "Braveheart" (1995, James Horner), "El señor de la guerra (1965, Jerome Moross), "Amanecer Zulú" (1979, Elmer Bernstein) y "Ben-Hur" (1959, Miklos Rozsa). 
Con Trevor Jones. 

De manera previa al sexto concierto, en la mañana del viernes 29 se celebró una rueda de prensa a la que asistieron algunos compositores invitados a esta edición como el sudafricano Trevor Jones, la irlandesa Eimear Noone, el islandés Atli Övarson o el estadounidense Richard Bellis, mientras que otros como Craig Stuart Garfinkle y el británico Daniel Pemberton, sólo asistieron al concierto de esa misma noche ("Espada y brujería: Crónicas de una tierra legendaria"); y al del sábado 30 ("Galería nocturna de Stephen King"), ambos celebrados en el Auditorio de Tenerife Adán Martín. 

Con Eimear Noone.

Con Atli Övarsson.

Con Daniel Pemberton.

Con Craig Stuart Garfinkle.


Con Richard Bellis. 

Trevor Jones comentó a los medios diversos aspectos sobre su trabajo en películas como "Excalibur" (John Boorman, 1981) y "Cristal oscuro" (Jim Henson y Frank Oz, 1982): "Estuve un año preparando la música con John Boorman para "Excalibur", intentando buscar lo que podía aportar a la película. Para "Cristal oscuro", recuerdo el avance tecnológico tan importante llevado a cabo por Jim Henson, allí pude ser testigo del proceso de rodaje para poder inspirarme en ese universo a la hora de crear una partitura en la que mezclé lo sinfónico con el uso sintetizadores, algo que estaba todavía en ciernes, ya que tampoco existía la tecnología para realizar modificaciones o corregir errores con el uso del ordenador. Dentro de toda mi carrera, creo que estos son los dos trabajos que más me han aportado a nivel personal, debido a que tuve la suerte de trabajar con directores que me permitieron experimentar e ir más allá, algo que sin embargo no es posible hacer hoy en día. Gracias a estas experiencias, he tenido la posibilidad de entrar en contacto con otros compositores o con el público". 



En "Espada y brujería: Crónicas de una era legendaria", dedicado a este subgénero que tan buenos momentos nos ha hecho pasar,  Eimear Noon fue la encargada de dirigir en su mayor parte a la Orquesta Sinfónica de Tenerife, que volvió a brillar a gran altura.
 

Tras un pequeño interludio en el que se ofrecieron las piezas de "El faro de las orcas" (2016) y "El olivo" (2016) de Pascal Gaigne (galardonado como Mejor compositor nacional y Mejor score nacional por los Premios de la Crítica Musical Cinematográfica Española) a cargo de Ramón García I Soler, el concierto dio paso a la fantasía con el breve tema central de Beowulf (2007, Alan Silvestri). Después de la estupenda "Conan el destructor" (1984) de Basil Poledouris, llegó el turno de "Cromwell, el rey de los bárbaros" (1982), una partitura de David Whitaker muy superior al film de Albert Pyun. También se escucharon el hermoso y aventurero tema central de "El señor de las bestias" (1982) obra de Lee Holdridge, o la correcta "El guerrero rojo" (1985, Ennio Morricone).



En esta primera parte hubo un fragmento dedicado a "Los inmortales", donde destacó la música de Michael Kamen. Sin embargo, la versión del "Princes of the Universe" (1986) a cargo de Cristina Ramos no resultó muy afortunada, ya que el carácter rockero de Queen se perdió en esta versión sinfónica. Sin embargo, la interpretación de ella misma del "Who Wants to Live Forever" si resultó más adecuada, debido al carácter sinfónico de la canción y al estar apoyada por la guitarra eléctrica de Gonzalo Araoz Vigil.

El concierto también sirvió para que la música de vídeojuegos demostrase su calidad con "Baldur's Gate: Dark Alliance 2" (2004) de Craig Stuart Garfinkle; y "World of Warcraft: Warlords of Draenor" (2014), compuesta por la propia Eimear Noone. 

Al mismo tiempo, se ofrecieron los estrenos mundiales de las partituras de "En tiempo de brujas" (2011) de Atli Övarson y "Rey Arturo: La leyenda de Excalibur" (2017), que resultaron ser correctas pero demostraron que una gran parte de las bandas sonoras actuales resultan poco perdurables para el oído de los aficionados.



La segunda parte comenzó con Trevor Jones dirigiendo a la orquesta en la banda sonora que compuso para la miniserie "Merlín" (1998). Poco después, le otorgaron el Premio Antón García Abril por toda su trayectoria. 




Posteriormente, Eimear Noone retomó la batuta para la que fue la mejor parte del concierto. En este bloque disfrutamos de otras piezas compuestas por Trevor Jones con la impresionante partitura de "Excalibur"; y a la vez nos transportamos a la fantasía de "Cristal oscuro". Por otro lado, fue emocionante escuchar un tema con el dinamismo y el sentido de la aventura que transmite la banda sonora que compuso James Horner para "Willow" (1988).



Pese a que en la sexta edición de Fimucité, ya se había interpretado parcialmente la música de Basil Poledouris para "Conan el bárbaro" (1982), fue un auténtico regalo que este épico concierto (acorde con su duración de casi cuatro horas) culminase con un broche de oro en el que nos volvimos transportar a la Era Hiboria con una extensa selección de temas como las monumentales "Anvil of Crom" y "Riddle of Steel/"Riders of Doom" (reforzada por el Coro de Voces Blancas del Conservatorio de Santa Cruz), "Theology/Civilization”, “The Love Theme”, "The Mountain of Power” o la sensual y armoniosa "The Orgy".



A modo de regalo fuera de programa, Cristina Ramos regresó al escenario para interpretar una acertada versión de la canción "A Hero Comes Home", perteneciente a "Beowulf".  




El concierto de clausura y séptimo de la edición, "Galería nocturna de Stephen King", contó con la batuta de Diego Navarro para dirigir a la Orquesta Sinfónica de Tenerife. Fue recital arriesgado y atípico, por su carácter terrorífico y por incluir en su programa partituras interesantes pero poco reconocibles para el gran público (por este motivo, la afluencia de espectadores fue menor respecto al de la noche anterior). 

Un valor añadido al mismo lo encontramos en la genial idea de acompañar cada pieza musical con fragmentos literarios del rey del terror contemporáneo, que fue narrados por la sobrecogedora voz del actor de doblaje Camilo García (encargado de doblar habitualmente a Anthony Hopkins). 

El concierto fue dedicado a la música de las adaptaciones al cine y televisión basadas en la obra del popular escritor de Maine. Dentro del mismo, se homenajeó la figura de Daniel Licht, compositor fallecido el 2 de agosto de 2017 y autor de bandas sonoras que se escucharon esa noche como "Los chicos del maíz 2: el sacrificio final" (1992), "Los chicos del maíz 3: la cosecha urbana" (1995) y "Thinner" (1996). En recuerdo a su memoria, el Festival concedió a Licht un Premio Antón García Abril a título póstumo. 


  Daniel Licht.

Entre las piezas más destacadas del evento figuraron la optimista y melosa melodía con notas de suspense que van in crescendo de Pino Donagio para "Carrie" (1976); y la perturbadora "El resplandor" (1988, Wendy Carlos y Krysztof Penderecki), que supo recrear el original de manera convincente y apoyada por efectos de sonido (incluso contó dos componentes del Coro de Voces Blancas del Conservatorio de Santa Cruz encargadas de recrear los diálogos de las aterradoras gemelas con las que se cruza Danny en los pasillos del pesadillesco Hotel Overlook).





Dentro de los temas dedicados a los films de terror y suspense también sonaron la canción "The Host of Seraphin" de "La niebla" (2007), muy adecuada en la voz de Cristina Ramos; así como las bandas sonoras de las películas "Cujo" (1983, Charles Bernstein), "La zona muerta" (1983, Michael Kamen), "La ventana secreta" (2004, Philip Glass), "Missery" (que tuvo que realizarse desde cero para el concierto, al no conservarse la partitura original compuesta por Mark Shaiman en 1990), "Cementerio de animales" (Elliot Goldenthal) o el estreno mundial de la reciente y exitosa versión cinematográfica de "It" (2017, Benjamin Walfisch).

En lo referente al apartado televisivo, se incluyeron las partituras de miniseries como "El misterio de Salem's Lot" (1979, Harry Sukman), "It" (1990, con la inquietante música de feria de Richard Bellis) o "Pesadillas y alucinaciones" (2006, donde la música de suspense de Jeff Beal quedó perfectamente integrada con los efectos de sonido).

En el tramo final del concierto, la oscuridad dio paso a la luz con una selección de temas procedentes de los films de corte dramático con "Corazones en Atlántida" (2001, Mychael Danna), una correcta versión del clásico "Stand by Me" (Jack Nietzsche y Ben E. King) escuchado en "Cuenta conmigo" (1986) y a cargo de Fran León (quizá demasiado optimista para el tono del concierto), y los films carcelarios "La milla verde" (1999) y "Cadena perpetua" (1994), ambos con música de Thomas Newman.   




Fuera de programa, Cristina Ramos despidió el concierto con una versión del tema heavy "Who Made Who" de AC/DC (grupo que sirvió al propio Stephen King a modo de inspiración para escribir sus obras) para la banda sonora de "La rebelión de las máquinas" (1986), que pese a la buena ejecución vocal y a su poder para levantar a la plátea, no resultó satisfactoria a nivel orquestal, dada la dificultad de adaptar este tema de la banda australiana para ser interpretado por una orquesta sinfónica. 



En resumidas cuentas, esta edición de Fimucité volvió a destacar por su calidad, y su vez, fue de agradecer que para sus platos fuertes se combinase la popularidad de la fantasía épica con un concierto de clausura que se alejó de los cánones más comerciales y dejó paso a la innovación, dentro de un programa para descubrir y reivindicar inquietantes joyas ocultas en la oscuridad de la noche. 

Material fotográfico de los conciertos: David Olivera.     
  









lunes, 9 de octubre de 2017

IN MEMORIAM: JEAN ROCHEFORT

Nació el 29 de abril de 1930 en París (Francia).

Estudió en el Liceo Pierre Corneille. A los 19 años se formó como actor en el Centro Dramático rue Blanche. Posteriormente se unió al Conservatorio Nacional, y tras finalizar el servicio militar, fue actor teatral durante siete años en la Compañía Grenier Hussenot.

En 1956 debutó como figurante en la película "Recontre à Paris". En los 60 interpretó papeles de reparto en films franceses como "El Capitán Fracassa" (1961), "Cartouche" (1962) de Philippe de Broca, "La máscara de hierro" (1962), "Ronda de crímenes" (1963), "Angélica, marquesa de los ángeles" (1964), "Las tribulaciones de un chino en China" (1965) de Philippe de Broca, ¿Quién eres tú, Polly Magoo?" (1966) o "El diablo por la cola" (1969) de Philippe de Broca.

Ya en los 70 compartió reparto con Annie Girardot en "Amor en rebeldía" (1972), y llevó a cabo otros papeles de reparto en títulos como "El gran rubio con el zapato negro" (1972), "El heredero" (1973), "El complot de los rebeldes" (1973), "Mátalos, jefe... te ayudo" (1973) de Michele Lupo, ¡Qué vida la del artista" (1973),  "El fantasma de la libertad" (1974) de Luis Buñuel, "¡Dios mío, como he caído tan bajo!" (1974) y "El retour du grand blond" (1974) o "Inocentes con manos sucias" (1975) de Claude Chabrol. También coincidió con Philippe Noiret en  "El relojero de Saint Paul" (1973) y "Que empiece la fiesta" (por la que en 1975 ganó el César al Mejor actor secundario), ambas dirigidas por Betrand Tavernier. 


En 1976 protagonizó la exitosa comedia "Un elefante se equivoca" de Yves Robert. Un año después fue el actor principal de una nueva comedia a las órdenes del mismo director titulada "Dentro de cien años, todos calvos". En 1977 también ganó el César al Mejor actor por por su trabajo en el film bélico "Le Crabe-Tambour".


Acto seguido realizó  un papel de reparto en "¿Pero quien mata a los grandes chefs?" (1978). En 1979 coincidió con Catherine Deneuve en la comedia romántica "Escápate conmigo... y ríete después".

En 1980 hizo una aparición secundaria en la coproducción europea "Cuidado con las rubias". En 1984 fue el protagonista de la comedia de terror "Frankenstein 90". A finales de los 80 hizo un otro papel de reparto en "La reina de la Jet Set" (1987) y protagonizó títulos como "Tandem" (1987) de Philippe Broca o "El señor de la gran mansión" (1989). 



En 1990 logró un nuevo triunfo protagonizando junto a Anna Galiena el film "El marido de la peluquera" de Patrice Leconte. Durante el resto de la década siguió muy activo, y realizó papeles secundarios en "El castillo de mi madre" (1990) de Yves Robert, "El largo invierno" (1992), "La maté porque era mía" (1993) de Patrice Leconte, la norteamericana "Pret-a-porter" (1994) de Robert Altman, la española "Palace" (1995) de Tricicle, "Ridicule" (1996) de Patrice Leconte, la británico-norteamericana "Nunca jamás" (1996), la argentina "El viento se llevó lo que" (1998) de Alejandro Agresti o la coproducción europea "Rembrandt" (1999). 


Entre sus nuevos roles protagónicos encontramos "Blanco disparatado" (1993), "En tránsito" (1993),  "Barracuda" (1997), "¡A trabajar! (1998). En 1998 intervino fue Fernand de Morcerf en la miniserie "El conde de Monstecristo". 

En la primera década del siglo XXI hizo papeles protagonistas en títulos como "El hombre del tren" (por la que ganó el Premio al Mejor actor en el Festival de Venecia en 2002) de Patrice Leconte o "Desacuerdo perfecto" (2006), aunque fue más frecuente verlo como secundario de lujo en "Salir del armario" (2001), "Blanche" (2002), "¡¡¡Caverrrrnícola!!!" (2004), "El infierno 2005" (2005), "No se lo digas a nadie" (2006) o la británica "Las vacaciones de Mr. Bean" (2007). 

También hizo otros trabajos como narrador y actor de doblaje en "Fanfan, la tulipe" (2003), "Los Dalton contra Lucky Luke" (2004, donde fue la voz de Jolly Jumper) o las películas animadas "Titeuf, la película" (2011) y "La mecánica del corazón" (2013). 


En 2012 interpretó a Lucius Fouinus en "Astérix y Obélix: Al servicio de su majestad". Ese mismo año protagonizó la española "El artista y la doncella" de Fernando Trueba, por la que fue nominado al Goya como Mejor actor. En 2015 hizo su último trabajos interpretativo protagonizando la comedia dramática "Floride".


Entre sus proyectos inclusos figuró su papel de Don Quijote en "El hombre que mató a Don Quijote", que Terry Gilliam no logró concluir en 1998 (tras numerosos intentos fallidos, finalmente el director si ha podido realizar el film con el protagonismo de Jonathan Pryce, y podremos ver la película en 2018). 

Su carrera artística se completó con la dirección de los documentales "Rosine" (estrenado en 1973 y que también escribió) y "Caveliers seul" (2010), así como el cortometraje "T'es fou Marcel" (1974).  En lo personal, estuvo casado en dos ocasiones: Primero con Alexandra Mosava, con la que tuvo dos hijos; y luego con Francoise Vidal, madre de sus otros dos hijos. También tuvo otro hijo fruto de su relación con la actriz Nicole Garcia. Jean Rochefort falleció el 9 de octubre de 2017 en París (Francia), a la edad de 87 años. Con su fallecimiento, el cine francés pierde a otra de sus grandes instituciones en el campo de la interpretación.  

lunes, 2 de octubre de 2017

IN MEMORIAM: TOM PETTY (1950- 2017): "LA ESENCIA DEL ROCK AMERICANO DESDE LA GRATITUD", POR RAYCO



Normalmente, tras el sueño infantil de ser una estrella de la música hay un ansia de fama, de ser rico o de ser el objeto de deseo de mujeres u hombres. A Tom Petty le movió una causa más noble, la gratitud.

Su infancia en Gainesville, Florida, fue bastante dura. Su padre Earl tenía la costumbre de pagar sus fracasos personales con él y cuando su enteró de que su hijo Tom era un fan de Elvis Presley, la situación fue a peor. Pero Elvis y la música era todo lo que tenía Tom para escapar de su insoportable realidad; o casi todo, porque también contaba con el amor inquebrantable de su madre.

Sin embargo, no fue su amado Elvis quien le proporcionó la revelación, fueron (como a toda una generación de músicos americanos) The Beatles en su célebre aparición de "El Show de Ed Sullivan". Petty pensó que si quería devolverle a la música que le diera color a su gris infancia, mejor hacerlo en compañía de otros.

A los 17 años dejó el instituto y encontró un trabajo de jardinero en el campus de la Universidad de Florida, situada en su Gainesville natal. En esa época recibía clases de guitarra del luego Eagle Don Felder y formó su primera banda, Epics, de corte amateur.

En 1970 forma una nueva banda, Mudcrutch, junto a Tom Leadon, Jim Lenehan, Randall Marsh y una figura que sería capital en la carrera de Petty, Mike Campbell. Fueron años de frustración porque Mudcrutch encandilaba al público en los garitos de toda Florida pero las discográficas les recibían a portazo limpio. En 1975 lograron publicar un single con Shelter, “Depot Street”, que pasó casi inédito por los charts.

Este fracaso acaba con Mudcrutch y Petty entiende que si quiere avanzar, Florida debe quedar atrás y marcharse a Los Ángeles. Poco después llama a dos ex-Mudcrutch, Mike Campbell y el teclista Benmont Tench. A ese proyecto su unirán el bajista Ron Blair y el batería Stan Lynch, nacen The Heartbreakers.




En 1976 se publica el primer disco, de título homónimo. “Tom Petty and The Heartbreakers” tuvo más éxito en Reino Unido que en EEUU, algo extraño para la época, pero la crítica americana alabó temas rockeros con melodías agradables pero para nada simples como American Girlo “Breakdown”. A “You're Gonna Get It!” le siguió “Damn The Torpedoes”, posiblemente su mejor disco con éxitos como “Don't Do Me Like That” y sobre todo Refugee.

Con “Hard Promises” se continuó con la línea de hacer rock con típico sonido americano y toques ligeros pero nada disimulados de rock sureño, el hit The Waitinges un buen ejemplo de ello.

Los discos “Long After Dark” y “Southern Accents” fueron algo decepcionantes para Petty y su banda, especialmente el último donde la producción del Eurythmic Dave Stewart estuvo lejos de ser acertada. Stewart introdujo un sonido demasiado pop que Petty y Stewart intentaron dejar atrás con “Let Me Up (I've Had Enough)”.




Estamos a finales de los 80 y Petty tiene sensación de bloqueo y se une a uno (quizá el mejor) de los mejores divertimentos de la historia de la música, The Traveling Wilburys. Guitarras en mano, Petty, Roy Orbison, Bob Dylan, George Harrison y Jeff Lynne  publicaron dos maravillosos discos con la incalculable colaboración de Jim Keltner a la batería, dejando canciones como “Handle With Care” y End of The Line.

La otra decisión que tomó Petty por esa época fue la de seguir en solitario con el disco “Full Moon River” y auténticos nº1 como “Running Down a Dream”, I Won't BackDown y Free Fallin'.


En las décadas siguientes iba y venía con The Heartbreakers. En “Into The Great Wide Open” siguió con la línea de “Full Moor River” repitiendo en la producción Jeff Lynne y Mike Campbell y dejando otro éxito como Learning to Fly. Fueron dos discos de corte más cercano al pop pero con un estilo más acertado que el de “Southern Accents”.

Tras editar un recopilatorio en el que destacó el single MaryJane's Last Dance, con un inolvidable videoclip ganador de un premio MTV protagonizado por Kim Basinger y en el que Petty recordaba un breve paso laboral en servicios funerarios.

A mediados de los 90, Petty decide ponerse en manos del productor Rick Rubin para su nuevo disco, “Wildflowers”. Rubin deja de lado el pop y apuesta por un sonido más folk, buena muestra de ello fue el single You Don't Know How It Feels”.

A partir de “Wildflowers” el ritmo creativo de Petty se ralentiza y en 2008 decide volver a sacarse una espina clavada treinta años antes y reúne a sus compañeros de Mudcrutch para editar un disco y salir de gira. Era un forma de redimir aquel reconocimiento que se les negó en su momento y una forma de agradecer a esos músicos que le acompañaran en su primera aventura musical.

En los últimos años Petty alternó trabajos con The Heartbreakers y Mudcrutch. En 2016 inició una gira para celebrar sus cuarenta años de carrera, la gira se alargó a 2017 y el 2 de octubre de ese año un infarto acabó con su vida en Malibú.

Nos ha dejado un músico, que quizá no obtuvo todo el reconocimiento popular que merecía, especialmente en Europa, pero que quiso hacer de su carrera un ejercicio de gratitud vital hacia la música y de paso, ganándose así la gratitud de innumerables amantes de la música y del rock americano. Gracias.



jueves, 28 de septiembre de 2017

IN MEMORIAM: ANTONIO ISASI-ISASMENDI

Nació el 22 de marzo de 1927 en Madrid (España).

Hijo de la actriz y profesora de teatro Nieves Lasa, comenzó a trabajar como actor de doblaje de personajes infantiles para los estudios "Voz de España". Allí empezó a ejercer como montador. Desempeñando esta función, trabajó en films como  "El ángel gris" (1948), "Pacto de silencio" (1949), "Mi adorado Juan" (1950) o "Apartado de correos 1001" (1950), en la que también ejerció como guionista.

En 1950 debutó como director del documental "Barcelona es bona". Posteriormente rodó y escribió el film policíaco "Relato policial" (1954) y el drama "La huida" (1956). A través de su propia productora, dirigió el drama "Rapsodia de sangre" (1958). Tras dirigir otro film dramático titulado "Pasión bajo el sol" (1958), comenzó a mostrar su carácter atípico en la cinematografía española dirigiendo la película de aventuras "Diego Corrientes". Poco después llegaron el spaghetti-western "Sentencia a una mujer" (1960), la comedia "Vamos a contar mentiras" (1961) y thriller "La mentira tiene cabellos rojos" (1962), donde continuó desmarcándose de los estereotipos del cine español coetáneo. 


En 1962 se hizo cargo de la película bélica "Tierra para todos", y un año más tarde estuvo al frente de la coproducción franco-hispano-italiana de aventuras "La máscara de Scaramouche". 



Interesado por realizar un cine en régimen de coproducción que tuviese distribución comercial a nivel internacional, en 1965 dirigió el film de espionaje "Estambul 65", que fue realizado en coproducción con Francia e Italia, y en el que dirigió a los alemanes Horst Buchholtz y Klaus Kinsi. 




En 1968 logró que Warner Bros distribuyese de manera internacional su thriller "Las Vegas, 500 millones", coproducción entre Estados Unidos, Alemania, Francia e Italia. En ella fue capaz de reunir a un reparto internacional integrado por Gary Lockwood, Elke Sommer, Lee J. Cobb y Jack Palance. 


En 1970 se encargó de completar el psicotrónico film de ciencia-ficción y terror "Los monstruos del terror", que comenzó a rodar Tulio Demicheli y que tenía como protagonista al norteamericano Michael Rennie. 




En 1972 siguió linea del cine de acción con "Un verano para matar", protagonizada por Karl Malden, Olivia Hussey, Chris Mitchum, Raf Vallone y Claudine Auge. En 1977 dirigió "El perro", adaptación de la novela de Alberto Vazquez-Figureoa y en la que contó con el protagonismo de Jason Miller. Entre medio de ambas llevó a cabo el documental "Rafael en Raphael", para lucimiento del popular cantante español. 

En los 80 se prodigó muy poco y realizó sus últimos trabajos: Produjo "Río abajo" (1984) de Jose Luis Borau, ejerció como guionista de la miniserie de TVE "Goya" (1985), y dirigió y escribió el thriller "El aire de un crimen" (1988), que fue su última película.  
Una vez retirado del cine, escribió dos autobiografías tituladas "Memorias tras la cámara" (1999) y "Días grises" (2008). 


En 2000 la Academia de Cine Español le concedió el Goya de Honor y en 2007 recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes. En lo personal, fue pareja sentimental de la actriz Marisa Paredes, con la que tuvo una hija, la también intérprete María Isasi. Los otros dos hijos del realizador son la cámara y guionista Teresa Isasi y el director de segunda unidad Antonio Isasi Jr. Antonio Isasi falleció el 28 de septiembre de 2017 en Ibiza (España), a la edad de 90 años.