domingo, 20 de mayo de 2018

NIK KERSHAW


Nació el 1 de marzo de 1958 en Bristol (G.B.).

Estudió en el Instituto Northgate. Posteriormente trabajó como jefe de ventas y en un departamento de empleo. En su primera etapa en la música, ejerció como guitarra y cantante en varios grupos de la localidad de Ipswich. El último de ellos fue Fusion, disuelto en 1982. En 1983 firmó un contrato con MCA y lanzó su primer single en solitario "I Won't Let the Sun Go Down on Me", que alcanzó el puesto 47 en las lista británicas. 


En enero de 1984 se comercializó su segundo single "Wouldnt' It Be Good", que fue todo un éxito hasta alcanzar el puesto 4 en su país natal y funcionó muy bien en Irlanda, Alemania, Austria, Italia, Noruega, Suiza, Canadá o Australia. El tema vino acompañado de un videoclip muy popular en la MTV, y en el que interpretaba a un extraterrestre con un traje sobre el que se proyectaba un croma. Tras este triunfo, en febrero de ese año se lanzó el álbum "Human Racing", que incluyó los dos singles anteriores (la reedición de "I Won't Let the Sun Go Down on Me" escaló hasta el puesto 2 en Gran Bretaña) y logró ser Disco de Platino.  




En vista de esta buena racha, en noviembre de 1984 se comercializó su segundo álbum "The Riddle", cuyo single homónimo llegó hasta el puesto 3 en Gran Bretaña. Otros dos temas de este disco, titulados "Wide Boy" y "Don Quixote", alcanzaron los puestos 9 y 10 en 1985, respectivamente. 

Acto seguido llevó a cabo una gira y formó parte del concierto Live Aid, celebrado en el Estadio Wembley. Un año más tarde publicó "Radio Musicola", que únicamente logró el puesto 47 en Gran Bretaña. En 1989 fue el turno de "The Works", que pasó totalmente desapercibido. 

En los 90 decidió centrarse en su labor como compositor y su mayor triunfo en este campo fue el tema "The One and Only" (1991), interpretado por Chesney Hawkes y que fue incluido en la banda sonora de la película "Buddy's Song". Esta canción fue   otro número 1 en Gran Bretaña. Durante ese año también escribió dos canciones para el álbum "Still" de Tony Banks, batería de Genesis. En 1993 compuso la canción "The Woman I Love" para la banda The Hollies, y en 1994 y 1995 fue el autor de los temas "Seventeen" y "Evereybody Say Everybody Do", pertenecientes a la boyband Let Loose. 

En 1999 grabó un nuevo álbum titulado "15 Minutes", con canciones compuestas por él mismo, y después de que estas no fueran grabadas por otros artistas. Este trabajo incluyó "Wouldn't It Be Good" a modo de bonus track. Aunque este disco no tuvo éxito comercial, luego grabó nuevos álbumes que siguieron esta misma tendencia: "To Be Frank" (2001), "You've Got to Laugh" (lanzado en 2006 a través de iTunes), "No Frills" (2010) y "Ei8th" (2012). En 2005 también se comercializó el recopilatorio "Then and Now", que incluyó cuatro temas nuevos. En 2010 se unió a otros artistas de los 80 como Andy Bell, Jimmy Sommerville, China Crisis o Steve Strange, los cuales interpretaron sus canciones en un concierto en Londres. 


En 2010 y 2012 se llevaron a cabo las reediciones digitales de "Human Racing" y "The Riddle". En 2012 participó junto a Steve Hackett (guitarrista de Genesis) en la regrabación del tema The Larmia, incluido en el álbum "Genesis Revisited 2". Por otro lado, fue compositor e intérprete de la banda sonora de la película "Round Ireland with a Fridge" (2010), donde también hizo un cameo. En 2014 y 2015 hizo nuevas giras en Gran Bretaña, y en 2016 actuó en Islandia junto a la banda Tobmobile. En fechas recientes también realizó duetos de "The One and Only" junto a Chesney Hakwes. En lo personal, se ha casado en dos ocasiones. Su primera esposa fue Sheri Kershaw (1983-2003), madre de sus tres hijos. Desde 1999 está unido a Sarah Kershaw.






domingo, 13 de mayo de 2018

IN MEMORIAM: MARGOT KIDDER

Nació el 17 de octubre de 1948 en Yellowknife, Northwest Territories, (Canadá).
Era hija de Kendall (ingeniero de minas) y de Margareth Ruth. Tuvo una infancia un tanto difícil a consecuencia de su actitud problemática, razón por la que fue expulsada de 11 colegios. Encontró su vocación participando en obras escolares como "Romeo y Julieta".
Animada por iniciar una carrera como actriz, a los 16 años se marchó de su casa junto a su novio y se trasladó a Los Ángeles. Su primera aparición televisiva fue en un episodio de la serie canadiense "Wojeck". En 1969 hizo su debut en el cine, apareciendo en un breve papel de prostituta en el film "Los locos años de Chicago".
Al año siguiente realizó un papel secundario en la comedia "Quaker Fortune tiene un primo en el Bronx", junto a Gene Wilder. En 1971 apareció junto a James Garner en la serie del oeste "Nichols".
Dos años más tarde fue requerida por su, por aquel entonces novio, el realizador Brian De Palma, que le dio el papel principal en su película "Hermanas", un thriller sobrenatural en el que encarnaba a una joven que fue separada de su hermana siamesa al nacer y que está poseída por el espíritu de ésta, ya fallecida. 
A mediados de los 70 realizó trabajos como actriz invitada en las series "Patrulla juvenil", "Banacek", "Harry O" y "Baretta". También fue secundaria en otros films como "Navidades negras" (1974), "El carnaval de las águilas" (1975) o "La reencarnación de Peter Proud" (1975). 

A finales de la década posó desnuda para la revista "Playboy", y alcanzó bastante notoriedad con sus declaraciones en defensa del amor libre. 
En 1978 le llegó su gran oportunidad al encarnar a la reportera Lois Lane en la exitosa "Superman", donde fue el contrapunto perfecto de Clark Kent/Superman (Christopher Reeve).
Al año siguiente intervino en "Terror en Amityville", cinta de terror centrada en una casa encantada donde habita una familia.
En 1980 y 1983 repitió su personaje de Lois Lane en las dos secuelas protagonizadas por el superhéroe de Kryptón. Su carrera empezó a encasillarse en este papel y sus siguientes trabajos tuvieron unos pobres resultados artísticos y comerciales.

Otros de sus films fueron "Caza al sol" (1979), "Una almohada para tres" (1980), "La mujer perfecta" (1982),"Misterio en Malta" (1983) y "Pequeño tesoro" (1985).  

A lo largo de los 80 comenzó a ser una intérprete habitual en todo tipo de telefilms como "Bus Stop" (1982), "Pygmalión" (1983), "Policías de Hollywood" (1984), "Como una pesadilla" (1987) o "El cuerpo del delito" (1988). En 1987 encarnó a Lois Lane por última vez en "Superman 4", producida por la chapucera productora Cannon Films y considerada unánimemente como la peor de la saga. En 1988 le diagnosticaron un trastorno maníaco depresivo, pero rechazó someterse a tratamiento psiquiátrico.
Entró en la década de los 90 con muy mal pie participando en films de vídeo como "Mob Story" (1989), pero su golpe más duro llegó cuando sufrió un grave accidente de tráfico que la dejó en silla de ruedas durante casi dos años, además en 1992 se declaró en bancarrota.
Consiguió recuperarse y volver a caminar e hizo algunos trabajos en la gran pantalla como una breve aparición en el western cómico "Maverick" (1994). Pero de nuevo el destino le jugó otra mala pasada, sufrió un ataque de histeria y se marchó de su casa totalmente desorientada, hasta que fue encontrada varios días después y fue trasladada a un hospital psiquiátrico.
A finales de ese año, logró salir de toda esa cadena de trágicos sucesos y volvió a trabajar de manera constante en films independientes como "Never Met Picasso" (1996) o "Vidas desiertas" (1999), así como en los telefilms "Atrapar a un asesino" (1992) o "Lazos de sangre" (1995); y en series como "Historias de la cripta", "Se ha escrito un crimen", "Los abogados", "Tocados por un ángel", "Perdidos en el Amazonas" o Nikita". Entre 1996 y 1997 participó en la serie de una temporada "Boston Common". 

Entre sus trabajos como actriz de doblaje figuraron "Gobots: Battle of Rock Gods" (1986), "The Wonderful Wizard of Oz" (1987), "The Marvelous Land of Oz" (1987), "The Emerald City of Oz" (1987), "Ozma of Oz" (1987), "El Capitán Planeta y los Planetarios" y "Phantom 2040".

En 2004 participó en dos episodios de la cuarta temporada de la serie "Smallville", encarnando a la Dra. Bridgette Crosby, todo un guiño a su antigua participación en los films de "Superman". En 2005 estrenó el film "La última señal", También  particiipó en el telefilm "Cool Money" y en la sitcom canadiense "Robsom Arms". Acto seguido intervino en las series "L" y "Cinco hermanos".  En 2009 llevó a cabo un papel secundario en "Halloween 2" de Rob Zombie, y en 2014 hizo una aparición especial en la serie "R.L. Stine's The Haunting Hour". Entre sus películas de bajo presupuesto encontramos "Universal Signs" (2008), "Servitude" (2011), "3 of Kind" (2012), "Real Gangsters" (2013), "Price Lions" (2014), "No Deposite" (2015), "The Red Maple Leaf" (2016) y "The Neighborhood" (2017). En lo personal, se casó en tres ocasiones: Su primer marido fue el actor, director y guionista Thomas McGuane (1976-77), padre de su única hija. Posteriormente estuvo unida al intérprete John Heard (1979-1980) y al director, guionista y actor francés Philippe Broca (1983-84). Margot Kidder falleció el 13 de mayo de 2018 en Montana (USA), a la edad de 69 años. 

sábado, 12 de mayo de 2018

IN MEMORIAM: ANTONIO MERCERO

Nació el 7 de marzo de 1936 en Guipúzcoa (España).

Su primer trabajo como director fue con el cortometraje "La oveja negra" (1960). En 1962 finalizó sus estudios en la Escuela Oficial de Cinematografía. Con "Lección de arte" (1962), ganó la Concha de Oro al Mejor cortometraje en el Festival de San Sebastián. Su debut en el largometraje se produjo con "Se necesita chico" (1963). Posteriormente estuvo al frente de los documentales "Tajamar" (1970), "Ritmos telegráficos" (1970), "Ritmos postales" (1970) y "Elegía por un circo" (1970). 




En 1972 logró su obra maestra con el cortometraje televisivo "La cabina", que dirigió y coescribió, y por el que obtuvo el Premio Emmy (el primero ganado por España) un año más tarde. 


Su buena racha prosiguió con la exitosa serie "Crónicas de un pueblo" (1971-74), que permaneció tres años en antena. En 1974 fue el realizador de otros dos singulares cortometrajes televisivos: "Los pajaritos" y "Don Juan". En 1972 y 1975 escribió los guiones de ""Garbanza negra, que en paz descanse" y "Manchas de sangre en un coche nuevo". Su siguiente serie fue "Este señor de negro" (1975). 




En 1976 dirigió la comedia "Las delicias de los verdes años" y en 1977 llegó su siguiente cortometraje televisivo: "La Gioconda está triste". 




Ese año también logró un gran éxito de taquilla con la comedia "La guerra de papá" (1977), que a la vez sirvió para lanzar al estrellato al pequeño Lolo García, al que un año más tarde dirigió en la inclasificable "Tobi" (1978). 




Tras el telefilm "La noche del licenciado" (1979), entre 1981 y 1982 hizo historia televisiva con la serie "Verano azul". 

En 1982 regresó al cine para dirigir el drama "La próxima estación" y la comedia musical infantil "Buenas noches, señor monstruo". Entre 1986 y 1987 volvió a destacar en televisión con la excelente serie dramático- legal "Turno de oficio". En 1988 dirigió la comedia "Espérame en el cielo" y el thriller dramático "El tesoro". Dos años más tarde estrenó otra comedia titulada "Don Juan, mi querido fantasma". 




Entre 1991 y 1995 se consolidó como Rey Midas televisivo con "Farmacia de guardia", que se mantuvo 5 temporadas en antena al logra grandes éxitos de audiencia para Antena 3. Luego fue el turno de la película "La hora de los valientes" y en 2000 regresó a TVE para dirigir  un nuevo cortometraje televisivo: "La habitación blanca". En 2003 estrenó la exitosa "Planta cuarta" y en 2004 volvió a Antena 3 para dirigir la serie "Manolito gafotas", que a pesar de estar basadas en las populares novelas infantiles de Elvira Lindo, no pasó de la primera temporada. En 2007 realizó su último trabajo ante las cámaras con "¿Y tu quién eres", un drama sobre el Alzheimer. En 2006 le diagnosticaron esta enfermedad, y por esa razón se retiró. En 2010 recibió el Goya de Honor.  Antonio Mercero falleció el 12 de mayo de 2018 en Madrid (España), a la edad de 82 años. Con su fallecimiento, el mundo del cine y la televisión española pierde a una figura imprescindible. 






sábado, 5 de mayo de 2018

IN MEMORIAM: JOSE MARÍA ÍÑIGO

Nació el 4 de junio de 1942 en Bilbao (España). 

Procedente de una familia humilde, su padre era electricista. Siendo muy joven, desempeñó diversos oficios como guía turístico, empleado en una tienda de discos, traduciendo libros en una librería, como botones, profesor de inglés o aspirante a torero. Pronto se interesó por la radio e hizo sus primeros trabajos en Radio Bilbao y COPE. También comenzó a colaborar en prensa escrita en medios como "La Gaceta del Norte" o la Agencia Efe. Posteriormente se trasladó a Londres y realizó allí programas para la BBC y Cadena SER. A su regreso a España, se instaló en Madrid, donde estuvo al frente de varios programas musicales radiofónicos como El Musiquero, El Gran Musical y Los 40 Principales. Por esta misma épica colaboró en revistas musicales como Mundo joven. 

En 1968 fue presentador del programa musical "Último grito", dirigido por Pedro Olea e Iván Zulueta, y donde ya apareció con su característico bigote. En 1970 estuvo al frente de "Ritmo 70", a las órdenes de Pilar Miró. En 1969 se interpretó a sí mismo en la película musical "A 45 revoluciones por minuto". Un año después fue uno de lo protagonistas del film musical "Un, dos, tres... al escondite inglés", toda una rareza pop dirigida por su amigo Iván Zulueta, y donde interpretaba el doble papel de Rosco y de sí mismo.  


Entre 1970 y 1975 se convirtió en toda una estrella televisiva con el histórico programa de variedades "Estudio Abierto", que empezó a ser emitido en el UHF y luego pasó a TVE1. Este espacio tuvo una segunda etapa entre 1982 y 1985, en la que además se encargó de la dirección.

En medio de ambas etapas, también presentó otros programas de TVE como "La gente quiere saber" (1973), "Hoy 14,15" (1974-75) y "Directísimo" (1975-76), especialmente recordado por la participación del mentalista Uri Geller con el número que doblaba cucharas. En plena popularidad,  se interpretó a sí mismo en "Me has hecho perder el juicio" (1973) y "Genaro el de los catorce" (1974), y fue el protagonista de la comedia erótica "Terapia al desnudo". 


Luego llegaron otros programas populares programas de variedades como "Esta noche... fiesta" (1976-77) y "Fantástico" (1977-78). A finales de los 70 fue domador de elefantes en El circo de Ángel Cristo. En 1980 participó en un episodio de la serie "El español y los siete pecados capitales". Tras un desacuerdo con TVE, en 1986 abandonó la cadena público y presentó ETB "Íñigo en directo". En 1974, 1975, 1976, 1978, 1979 y 1983 logró 6 TP de oro al Mejor presentador. 

Después de varios años alejado de la pequeña pantalla, entre 1993 y 1994 presentó en Tele 5 "Las mañanas de Tele 5", junto a Laura Valenzuela. En la misma cadena se hizo cargo del debate "¿De qué parte estás?" (1994-95). Luego fichó por Antena 3 donde dirigió y presentó el programa de teletienda "El kanguro de A3Z" (1997-98). A comienzos del siglo XXI colaboró en una sección nostálgica en "El Show de Flo" (2002-2003) en TVE. 

En 2003 intervino en el reality musical "Vivo cantando: los años dorados". En 2004 presentó otro espacio de la cadena pública de corte nostálgico titulado "Carta de ajuste", junto a Minerva Piquero.  Ese mismo año hizo un cameo en "7 vidas". En 2006 regresó a Tele 5 para ser uno de los presentadores de "Supervivientes: Perdidos en el Caribe". 

En 20016 también fue uno de los participantes del reality de monólogos "El club de Flo" de La Sexta. En 2010 fue jurado en "Eurovisión: Destino Oslo". Tras la la marcha definitiva de Jose Luis Uribarri, entre 2011 y 2017 fue la voz que transmitió el Festival de Eurovisión. En la última etapa de su trayectoria hizo colaboraciones en programas como "Las mañanas de la 1" de TVE, "Así nos va" (2013) en La Sexta y "Qué tiempo tan feliz" (2013-2017). 

En su amplia trayectoria, publicó varios libros como "La bomba Esther Vilar" (1975), "Música pop, música folk" (1975), "Enciclopedia de la música 1900-1970", "Estudio Abierto", "Mundo Fantástico", "Ahora hablo yo" (2004), "Cuando éramos jóvenes" (2004), "100 españoles y el príncipe" (2010) o "La tele que fuimos" (2013). También publicó varios libros de viajes entre 1998 y 2003, y se encargó de dirigir y editar las revistas"Viajes y vacaciones", "Vinos y restauración", "Hoteles del siglo XXI" y "Lo mejor de Madrid". Entre 2000 y 2018 intervino en el programa de RNE "No es un día cualquiera". En 2009 fue galardonado con la Antena de oro y en 2010 recibió el premio de la Academia de Televisión por su Trayectoria profesional.

Entre 2017 y 2018 fue colaborador en los programas de TVE "Aquí en la Tierra" y "Hora punta", en los que trabajó hasta su fallecimiento. En lo personal, estuvo casado en dos ocasiones. En 1970 se unió a la pintora y diseñadora Josette Nahmias, madre de sus dos primeros hijos. En 1984 se casó con María del Pilar Piniella, con la que tuvo otros dos hijos. Trabajador incansable y auténtica leyenda de televisión y la radio, Jose María Íñigo falleció el 5 de mayo de 2018 en Madrid (España), a la edad de 75 años y a consecuencia del cáncer que padecía.

domingo, 22 de abril de 2018

ENTREVISTA A PAUL URKIJO Y NEREA TORRIJOS, DIRECTOR Y DISEÑADORA DE VESTUARIO DE LA PELÍCULA "ERREMENTARI (EL HERRERO Y EL DIABLO)" (2017)


El 20 de abril, Charlas de cine de Multicines Tenerife llevó a cabo una proyección especial de la película "Errementari (El herrero y el diablo)" (2017), que sirvió como adelanto a la segunda edición de Isla Calavera - Festival de Cine Fantástico de Canarias, que tendrá lugar entre los días 21 y 25 de noviembre. 



El film es un cuento de terror centrado en Patxi (Kandido Uranga), un herrero de un pueblo de Álava al que hasta el demonio Sartael (Eneko Sagardoy) le teme, y cuyos secretos son descubiertos por una niña del pueblo llamada Usue (Uma Bracaglia). 





Finalizada la proyección, Paul Urkijo (director y guionista del film) y la diseñadora de vestuario Nerea Torrijos, participaron en una charla posterior, que fue moderada por Miguel Ángel Rodríguez Villar, y en la que también participaron Ramón Trujillo y Daniel Fumero (directores de Isla Calavera).  




Paul Urkijo, ¿cómo surgió el proyecto adaptar el cuento de "Patxi Errementari" en el que se basa "Errementari (El herrero y el diablo)"?:

Paul Urkijo: "Patxi Errementaria" es un cuento tradicional vasco que a mi me llegó por una reedición que se hizo con ilustraciones durante los años 80. La verdad es que me hacía mucha gracia como el herrero puteaba a los demonios, y a mi esos diablos de la historia me caían bien. Yo llevo mucho años haciendo cortometrajes, y pensé que este cuento tenía unos ingredientes interesantes para desarrollar una película de fantasía con horror gótico, humor negro y un punto satírico. Lo que como el cuento era muy corto, para que la película fuera por los derroteros que yo quería, tuve que añadir acciones y personajes que empujaban a otros, y al mismo tiempo, desarrollé más los que ya estaban en la historia original. La película es muy diferente al cuento, pero mantiene su alma. También tuve la idea de ubicar a Patxi en un época concreta como la de Las Guerra Carlistas, desarrollar lo que les pasaba a los demonios por la cabeza, o explicar como era el infierno. 

¿Cuánto tiempo has tardado en sacar la película adelante?:

Paul Uriko: Ha sido un proceso de siete años, desde la escritura del guion, hasta la búsqueda de financiación. Yo estudié Bellas Artes, así que maqueté un dossier con mis propios textos e ilustraciones, y a la vez que hicimos un busto de Sartael y grabamos un fake trailer. Esto se hizo con el objetivo de vender la película. Durante mucho tiempo fuimos a mercados, intentamos conseguir subvenciones, o hablamos con productores y con cadenas de televisión. Como iba a estar protagonizada por actores desconocidos, era una idea difícil de vender. Tuve mucha cabezonería para levantar el proyecto, y después de quince años realizando cortometrajes, ya tenía ganas de dar el salto al largometraje. Al final conseguimos el dinero para rodarla, aunque no para la postproducción. 

¿Cómo entró Álex de la Iglesia como productor del proyecto?:

Paul Urkijo: A Álex yo lo conocía de haber rodado la serie "Plutón B.R.B. Nero" (2008-2009), donde trabajé como técnico. Luego, sabiendo que Álex buscaba proyectos como productor, le mandé un dossier del proyecto por e-mail, pero no recibí respuesta, porque se quedó en la bandeja de entrada. Sin embargo, cuando ya sólo me quedaba un mes para empezar a rodar, recibí un twitter suyo sobre que había visto los diseños de "Errementari" en la fiesta de rodaje de su película "El bar" (2017), y me dijo que me viniese a Madrid para hablar. Ya en Madrid, me dijo que estaba interesado en producirla, pero que quería que se paralizase el rodaje para añadir más presupuesto, algo a lo que yo me negué, ya que después de tenerlo todo listo y con lo que me había costado, no quería paralizar nada. Así que lo que él si hizo fue conseguir dinero para la postproducción y para que los efectos especiales quedasen bien, y a su vez, se encargó de la distribución en salas. Todo fue una gran experiencia, porque es un director al que admiro mucho.

¿Cuáles fueron tus referencias cinematográficas a la hora de elaborar la película?: 

Paul Urkijo: Me inspiré en films de los años 80 como "Legend" (1985) de Ridley Scott, en el cine de la Hammer de los 60 y 70 o las películas de Roger Corman. Buscaba una estética gótica, pero que a su vez tuviera algo de pantomima. También busqué la manera de que hubiera mezcla de géneros, que es algo que ya estaba en mis cortometrajes, y es lo que me gusta. 

¿Cómo seleccionaste a los actores de la película?:

Paul Urkijo: Kandido Uranga, que también se encargó de doblar la película al castellano, fue siempre mi opción para Patxi. Él es un actor de doblaje muy reconocido y ha puesto la voz a todos los villanos de los dibujos animados que se doblaron para el vasco, de incluso era la voz de Shredder en "Las Tortugas Ninja". También había trabajado como secundario en películas como "Vacas" (1992) de Julio Medem. 

En relación al personaje de Usue, tuvimos que hacer un casting de más de 300 niños, y elegí a Uma Bracaglia. 

Respecto al demonio Sartael, cuando me hablaron de Eneko Sagardoy, él aún no había hecho "Handia" (2017), por la que este año ganó el Goya al Mejor actor revelación. Yo le hice una prueba y fue un flechazo, me encantaron sus gestos y su voz. 

¿Cuáles fueron las razones para rodar la película en vasco antiguo?:

Pensé que era lo más adecuado, dado que el cuento era vasco. Eso me causó muchos problemas a la hora de buscar financiación, porque muchos productores preferían que se hiciera en español o en inglés. Al mimo tiempo, al estar ambientada en el siglo XIX, pensé que era más verosímil que se utilizase el euskera antiguo. Tuve la suerte que el que se iba a encargar de la traducción, habló con un lingüista que hizo un estudio sobre el tema, y eso hizo que la película adquiera un aspecto más legendario. 

¿Cómo fue el proceso de maquillaje de Eneko Sagardoy?:

Nerea Torrijos: Para él fue muy duro tener que someterse a sesiones de maquillaje protésico de ocho horas, y pronunciar los diálogos metido en una jaula, porque tiene claustrofobia. Y a pesar de que estaba exhausto, se metía en la jaula y daba el trescientos por cien en las escenas. 

Paul Urkijo: Para el diseño de Sartael, me inspiré en grabados y pinturas medievales, buscando aberraciones dantescas y monstruosas. Quería que fuera rojo, con colas, que tuviera escamas, y que a a su vez diera un poco de pena, para que pudieras empatizar con el personaje. Luego, el departamento de maquillaje se encargó de diseñar las texturas.  

¿Cuánto duró tiempo el rodaje y cuál es el presupuesto de la película?:

Paul Urkijo: Fue un rodaje de siete semanas y fue muy duro, con lluvia, barro, hierro o animales. Todo lo que aparece en la película lo teníamos en el rodaje, e íbamos a una velocidad brutal, con una media de dos tomas por plano, lo necesario para hacer una película con tanto detalle. Quizá, para hacer la película como yo hubiera querido, me hubiera gustado tener dos semanas más de rodaje.

En relación al presupuesto, la película ha costado dos millones y medio, que no es mucho, teniendo en cuenta que "8 apellidos vascos" (2014) fue más cara, y que una comedia española costumbrista media, puede costar más o menos lo mismo.  

¿Cómo elegiste las localizaciones?:

Paul Urkijo: Yo conocía bien los bosques del País Vasco, siempre fue un niño un poco asilvestrado, así que el personaje de Usue es casi como yo de pequeño (de hecho la escena con la culebrilla, me pasó a mi realmente cuando jugaba en el campo). Por ese motivo, esas localizaciones las conocía muy bien. Para la herrería, rodamos en dos reales, una para el exterior en Guipuzcoa y otra para el interior en Vizcaya; y para el pueblo, usamos dos de Álava.  

Neara Torrijos, ¿cómo fue diseñar el vestuario de época?:

Nerea Torrijos: Para diseñar suelo hacer lo primeros bocetos a mano y a veces imprimo algunas paletas de color. Como la historia transcurre en veinticuatro horas, confeccioné un vestido por personaje. Hay vestuario confeccionado por mi equipo, y en algunos casos también usamos alguno alquilado. Hubo dos opciones de vestuario para cada actor, y así poder ver el efecto. También seguimos algunas instrucciones de Paul, por ejemplo, la idea de que Patxi apareciese al principio de la película con una máscara y un escudo fue de él (una imagen que puede recordar a "La matanza de Texas" (1974) de Tobe Hooper), ya que buscaba una imagen impactante, y que mantuviese ese halo de dureza, sin que el espectador supiera que en el fondo no lo es tanto.

¿Hay algo que cambiarías del resultado final?:

Estoy muy contento con la película, se ha hecho así porque no se podía hacer de otra manera. Hay cosas que al final no pudimos hacer porque no quedaban bien, como el hecho de que uno de los demonios grandes que aparecen en la película, tenía una cara en la tripa, pero fue algo que no funcionó, ya que tuvimos muchos problemas al rodar esa escena. 

¿Qué anécdota oculta sobre la película podría servir  para concluir la entrevista?:

Quizá haya espectadores que no se han percatado del hecho de que la actriz que interpreta a la mujer de Patxi es la gimnasta Almudena Cid, que ahora está dedicándose a la interpretación; y también, su marido, el presentador Christian Gálvez, que es amigo mío y produjo mi cortometraje "Jugando con la muerte" (2011), interviene en la película como la sombra del personaje que mata Patxi. 




Con Paul Urkijo y Nerea Torrijos. 









martes, 17 de abril de 2018

ENTREVISTA A SILVIA MARSÓ "NO BUSCO LA RENTABILIDAD DEL TEATRO, SINO HACER ARTE QUE ME APORTE, Y AL MISMO TIEMPO, NO PERDER LA CAMISA"



El 5 de abril, dentro de los Encuentros de Amigos del Teatro Guimerá, se llevó una charla con la actriz Silvia Marsó, la cual presentó la obra de teatro "24 horas en la vida de una mujer" de Stefan Zweig, cuyas funciones tuvieron lugar los días 6 y 7 de abril. 

Esta adaptación en formato de teatro musical de Christine Khandjiany Stéphane  Ly-Coug, y con dirección de Ignacio García, apuesta por el género apoyándose en el trabajo de actores sobre el texto de Zweig. Por otro lado, la música original de Sergei Drezniny, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juanjo Llorens en la iluminación y Ana Garayen en el vestuario, también forman una parte fundamental para narrar la historia. 

El argumento parte de los recuerdos solapados de la protagonista cuando ella es una anciana y se encuentra en un palacio decadente, de modo que se va cambiando de decorados sólo con el juego de luces, que provoca que cada escena se represente como un cuadro. 

En la charla, Silvia Marsó habló sobre diversos aspectos de este singular proyecto producido por ella misma, y también hubo tiempo para que comentase distintas anécdotas sobre sus inicios artísticos y su trayectoria. 


¿Qué podemos encontrar en la obra "24 horas en la vida de una mujer"?:

Yo era muy seguidora de su autor, Stefan Zweig, cuyos trabajos están aún muy vivos y por eso decidí comprar los derechos de su adaptación. Este año se cumplen 75 años de su muerte, ya que se suicidó junto a su mujer en Brasil, huyendo de la invasión Nazi al ser judío y al no soportar que su querida Europa se estuviese desintegrando de una manera tan brutal. Una lástima, porque si hubiera esperado unos tres meses más, no se habría suicidado. 

Precisamente, en la obra está el reflejo de esa Europa, es un compendio de nuestra cultura. La música la ha compuesto el músico ruso Sergei Dreznin, que es una eminencia y ha pasado mucho tiempo en Alemania. Ha hecho un trabajo que tiene mucho de la música del siglo XIX y de principios del XX, desde valses vieneses, pasando por música de Rusia, Francia o Italia. 

Es una obra que transita por todos esos mundos de la vieja Europa. Al mismo tiempo, fusiona la música y la danza (cantamos mucho, pero los temas está sujetando las emociones de los personajes), la interpretación, la literatura y hasta la pintura, porque la escenografía la ha hecho el pintor Arturo Martín Burgos. Ver todas esas artes unidas que van fluyendo de manera armoniosa, es todo un lujo para mi como intérprete, y es una suerte tener como director a Ignacio García. 


¿Cómo es la experiencia de ejercer como productora teatral?:

Es un poco agotadora, y precisamente no es lo que más me gusta, y más en estos tiempos en los que es tan difícil para sacar un proyecto adelante. Pasas muchos nervios y todo depende de ti, y estás con el alma en vilo, por si se produce algún fallo técnico. Sin embargo, a veces no te queda otra, y me vi en la necesidad de producir el espectáculo, porque aunque todos los productores me decía que era una maravilla, no le veían la rentabilidad. Pero claro, yo no busco la rentabilidad, sino hacer arte que me aporte, y al mismo tiempo, no perder la camisa.

¿Cómo fueron tus inicios como actriz?:

Cuando era niña, siempre estuve interesada en las artes, pero no sabía si quería ser actriz, cantante, o pintora. Sacaba sobresaliente en todas las asignaturas que tuvieran que ver con el arte. Lo curioso, es que en mi familia, no había nadie que se dedicase a eso. Cuando realmente me di cuenta que quería ser actriz fue cuando vi en el cine "El espíritu de la colmena" (1973) de Víctor Erice, y aunque cuando la vi, no me enteré de lo que pasaba, porque en esa historia todo pasa por debajo, quedé fascinada con el personaje de Ana (Ana Torrent), ya que la película estaba contada a través de su mirada. Realmente no sabía muy bien por qué, pero desde ese momento yo ya tenía claro lo que quería ser. Y ahora de mayor, he tenido la oportunidad de decirle eso a la propia Ana Torrent, la cual se alegró muchísimo al saberlo. 

Otro aspecto que me marcó en mi infancia, fue una profesora de lengua que tuve cuando tenía 10 años, es la única profesora de la que recordaba su nombre y apellidos, y luego la pude localizar a través de facebook. Sus enseñanzas fueron muy importantes para mi, ya que me enseño que debajo de las letras, se escondía el mensaje, y encima lo planteaba todo como si fuera un juego. 

¿Cómo fue tu paso por el programa "Un, dos,tres" y qué ventajas e inconvenientes encontraste en esta experiencia?:

El destino quiso que yo entrara en el "Un, dos, tres". Yo no tenía ninguna intención de entrar, porque vivía en Barcelona y el programa se grababa en Madrid. Yo en aquel momento tenía 17 años y estaba haciendo una obra de teatro en El Paralelo de Barcelona, y al mismo tiempo estaba haciendo un programa en la televisión catalana, antes de que existiera TV3. En este espacio había una orquesta con la que yo cantaba. También había actuaciones de Sergio Dalma (cuando aún no usaba ese nombre artístico), Mary Santpere o Charly Rivel, y yo luego los entrevistaba. 

Fue por esta época cuando me sugirieron que me presentara al casting de "Un, dos, tres". Recuerdo que se organizó el primer casting multitudinario por toda España, Chicho Ibáñez Serrador  quería encontrar chicas que supieran actuar, cantar y bailar, y aunque no las buscaba guapas, si necesitaba encontrar a algunas que tuvieran una personalidad cercana y diferente entre unas y otras. Recuerdo que allí conocí a Chicho, que había oído hablar de mi y me ofreció participar en el programa. Todo se empezó a preparar en el mes de mayo de 1983. Aunque ya me habían elegido junto al resto de las secretarias del programa, se grabó un falso casting a modo de documental. Lo primero que hice en el programa fue el número de "A Chorus Line", que era un espectáculo de Broadway que nunca se había visto en España. Aquel primer programa de la temporada lo vieron 20 millones de personas, muy diferente a las audiencias de hoy en día, donde todo está muy repartido y un gran pico de audiencia está en 6 millones de espectadores. Estuve en dos etapas, primero entre 1983 y 1984, y luego volví en 1987. El programa me cambió la vida, y me hizo muy popular, y aunque hizo que me conociera toda España, también provocó que se me cerraran algunas puertas, en especial en las del teatro más serio y comprometido, ya que yo quería trabajar con Marsillach o con Narros, pero no me solían coger, porque yo era muy popular. Así que aunque luego también presenté programas como "Los Sabios" (1984-85) en TVE o "Telecupón" en los inicios de Tele 5 (1990-91), tuve que romper con eso, y aunque me ofrecieron mucho dinero para ejercer como presentadora de otros concursos, la decisión de rechazarlos que no me costó nada tomarla, porque quería renunciar a lo fácil para poder hacer una carrera como actriz, pero empezando por abajo.   

¿Cómo te sentiste al ser dirigida por Juanma Bajo Ulloa en "La madre muerta" (1993) y cuáles han sido las razones por las que un director tan personal haya tenido una carrera tan intermitente?:

Fue una gran suerte trabajar con él. En estos años he visto a Juanma en varias ocasiones, y él ha estado centrado en la publicidad. Es un genio infravalorado y desaprovechado por el cine español, no se si por su carácter de enfant terrible o porque no pertenecía a ningún grupo de directores.  



  

lunes, 16 de abril de 2018

IN MEMORIAM: HARRY ANDERSON

Nació el 14 de octubre de 1952 en Rhode Island (USA).
Sus padres se separaron cuando era niño y pasó su infancia junto a su madre y sus tres hermanos, moviéndose por diferentes estados debido a los numerosos trabajos que desempeñó su progenitora.
En 1962 se trasladó a California para vivir con su padre, donde comenzó a interesarse por los secretos de la magia, allí estudió en el "North Hollywood High School", graduándose en 1970.
Posteriormente comenzó a dedicarse al ilusionismo actuando en Hollywood, pero fue aconsejado por sus allegados de que su verdadero talento se encontraba en la comedia y no en la magia. Por este motivo decidió introducirse en el mundo del humor, apareciendo en 1981 en un especial de la cadena HBO para jóvenes comediantes. Su gran oportunidad llegó al intervenir en varios programas del mítico "Saturday Night Live" entre 191 y 1985.
Su primer papel como actor fue una breve aparición interpretando a un mago en la película "Maestro en fugas" (1982). En 1983 colaboró en algunos episodios de "Cheers" interpretando al mago Harry "The Hat" Gites (un papel que repitió en otros episodios de 1987 y 1993).


Debido a la buena acogida de esta apariciones, 1984 le ofrecieron el papel principal en la sitcom "Juzgado de guardia". Un éxito instantáneo en el que interpretó al juez de guardia Harry Stone, dotado de un sentido del humor irreverente que lo alejaba de los cánones tradicionales de su profesión. Lo curioso era que pese a sus métodos tan poco convencionales, lograba ser alguien justo y efectivo a la hora de impartir la ley. La serie tuvo una larga trayectoria de 9 temporadas, finalizando en 1992 y por este trabajo Harry fue nominado al Emmy como mejor actor de comedia en tres ocasiones. También ejerció como director y guionista de varios episodios. 



Al margen de su trabajo en la serie, en 1985 actuó en un episodio de "Historias del más allá". También protagonizó los telefilms "The Absent-Minded Professor" (1988) y "The Absent-Minded Professor: Trading Places" (1989), remakes televisivo de la comedias Disney "Un sabio en las nubes" (1961) y "Un sabido en las nubes" (1963),


En 1988 intervino en la miniserie "Tanner 88" de Robert Altman, hizo un cameo en "La loca aventura del matrimonio" de John Hughes y protagonizó el telefilm "Spies, Lights and Naked Tighs". 


En 1990 fue  Richie Tozier de adulto en  la miniserie "It" (1990), basada en la novela de Stephen King. En 199o actuó en el telefilm infantil "Mother Goose Rock N' Rhyme y fue el protagonista de un episodio de la serie "Historias de la cripta" titulado "Korman's Calamity". En 1992 se encargó de escribir otro capítulo titulado "Seance".


En 1993 fue el protagonista de una nueva sitcom titulada "El mundo de Dave", centrada en la vida familiar del dibujante de tiras cómicas Dave Barry, esta nueva serie tuvo una audiencia notable, se mantuvo en antena durante 4 temporadas y concluyó en 1997.
Durante ese año fue el presentador de un programa especial sobre el mundo de la magia titulado "The Science of Magic". En 1998 protagonizó el remake televisivo de la comedia de 1950 "El invisible Harvey", donde interpretó a Elwood P. Dowd, un hombre que tiene como amigo a un conejo imaginario. En los 90 comenzó a intervenir como actor invitado en las series "Parker Lewis nunca pierde", "Al senador, ni caso", "El show de John Larroquette" y "Lois y Clark". Su siguiente trabajo como intérprete fue en un episodio de la sitcom "Son of the Beach", rodado en 2002.

En los siguientes años apareció en televisión para ser entrevistado en algunos programas norteamericanos, ya que decidió abandonar la interpretación y ha estableció varios negocios en Nueva Orleans. En 2003 abrió un almacén llamado "Sideshow" y en 2005 es el propietario de la taberna "Oswalds". En 2008 participó en un episodio de la serie "Rockefeller Plaza" interpretandose a sí mismo y donde coincidió con sus compañeros de "Juzgado de guardia" Markie Post y Charlie Robinson. En 2014 estrenó la película "A Matter of Faith". Entre 1977 y 1999 estuvo casado con la mentalista Leslie Pollack y tuvieron de dos hijos llamados Eva Fay y Dashiell. Entre 2000 y hasta su fallecimiento estuvo unido en segundas nupcias con Elizabeth Anderson. Harry Anderson falleció el 16 de abril de 2018 en Carolina del Norte (USA), a la edad de 65 años.







domingo, 15 de abril de 2018

IN MEMORIAM: R. LEE ERMEY

Nació el 24 de marzo de 1944 en Kansas (USA).

Tuvo una juventud delictiva, y tras un arresto, en 1961 el juez le dio a elegir entre alistarse en el ejército e ir a la cárcel. Entre 1965 y 1967 fue sargento instructor de los Marines de San Diego. Un año después  sirvió en Vietnam, donde permaneció 18 meses; y también fue destinado dos veces a Okinawa, lugar en el que sufrió diversas heridas que hicieron que se licenciase.

Cuando estaba estudiando Interpretación en la Universidad de Manila, logró su primer papel como actor interpretando a un sargento en el film bélico "Los chicos de la compañía C" (1978). En 1979 hizo una breve aparición interpretando a un piloto de helicópteros en "Apocalipsis Now" de Francis Ford Coppola. En esta película también ejerció como consejero técnico de asuntos militares.

Tras otro trabajo secundario en "Medalla de valor" (1984), en 1987 Stanley Kubrick le dio el papel del estricto Sargento Hartman, el cual hacía la vida imposible a Pyle (Vincent D' Onofrio) el recluta patoso, en el primer fragmento de "La chaqueta metálica". Este trabajo hizo que saltase a la fama y hasta fuese nominado al Globo de oro como Mejor actor secundario. 

Poco tiempo después intervino en un episodio de "Corrupción en Miami" e interpretó al Comandante Tillman en "Arde Mississippi" (1988) de Alan Parker. Sus siguientes papeles secundarios fueron en "Asalto a Firebase Gloria" (1989) y "Fletch revive" (1989). En 1990 dio vida al Capitán Phillips en la película española de ciencia-ficción "La grieta" de Juan Piquer Simón. 

En los 90 y a principios del siglo XXI siguió ejerciendo de característico en films como "Acoso infernal" (1991), "Operación soldados de juguete" (1991), "Linda, loca y peligrosa" (1993), "Sommersby" (1993), "Secuestradores de cuerpos" (1993) de Abel Ferrara, "Conspiración criminal" (1994), "En tierra peligrosa" (1994) de Steven Seagal, "El amor es un tiro" (1994), "Homicidio en primer grado" (1995), "Campeón en campeones 3: la ley del odio" (1995), "Seven" (1995) de David Fincher, "Leaving Las Vegas" (1995) de Mike Figgis, "Pena de muerte" (1995) de Tim Robbins, "Agárrame esos fantasmas" (1996) de Peter Jackson, "Los muertos no bailan"  (1997), "La envidia" (1998), "Un tipo peligroso" (1998), "Condenados a fugarse" (1999), "Avalancha" (1999), "Factor caos" (2000), "Tres idiotas y una bruja" (2001), "Escenas de un crimen" (2001), "Inocencia secuestrada" (2001), "Corre, Ronnie, corre" (2002), "The Salton Sea" (2002), "Willard" (2003), "La matanza de Texas" (2003) de Marcus Nispel, "El hombre de la casa" (2005), La matanza de Texas: el origen" (2016) o "Los amos del barrio" (2012) . También hizo un cameo en "Agárralo como puedas 33 y 1/3: El insulto final" (1994), y puso su adecuada voz como el soldado de juguete Sarge en "Toy Story" (1995), "Toy Story 2" (1999) y "Toy Story 3" (2010); y para "Starship Troopers" (1997) de Paul Verhoeven. 

En televisión fue actor invitado en series como "Playa de China", "Guerra de parejas", "Las aventuras de Brisco County Jr.", "Justicia callejera", "Historias de la cripta" "Dulce justicia", "Space: Guerra estelar", "Expendiente X", "Patrulla de asfalto", "Cámara y acción", "The District", "Scrubs", "La hora 11", "Ley y orden: Unidad de víctimas especiales" y "House". Entre 1997 y 1999 intervino en la serie policíaca de una temporada "Cracker". Sus otros trabajos como actor de doblaje fueron en la película "La banda del patio" (2001), en las series "Kim Possible", "Bob Esponja", "El intérpido Batman", "Padre de familia", "Los Simpson"; y en los videojuegos "Call of Duty: Ghosts" (2013) y "Disney Magic Kigdom" (2016).  Entre 2002 y 2009 fue presentador del programa de History Channel "Mail Call", dedicado al armamento militar. En lo personal, desde 1975 y hasta su fallecimiento, estuvo casado con Nila Ermey y ambos fueron padres de cuatro hijos. R. Lee Ermey falleció el 15 de abril de 2018 en California (USA), a la edad de 74 años y a consecuencia de una neumonía.